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domenica 30 marzo 2014

Ellende - S/t

#PER CHI AMA: Black/Shoegaze, Alcest, Agalloch
Il vento soffia timido tra le fronde degli alberi in un paesaggio al limite della desolazione. Solo poche montagne circondano il rarefatto panorama. Questo è quanto dipinto dagli austriaci Ellende nel loro omonimo lavoro che ne rappresenta anche il full lenght d'esordio. Album che si apre con la semi acustica "Wind" che delinea alla perfezione la proposta del duo di Graz: un post black dalle tinte autunnali. La opening track apre con un bell'arpeggio malinconico che va evolvendosi in una traccia nostalgica in cui la componente black ferale (urla lontane e una ritmica serrata in stile Austere) ha la meglio su quella più ambient, solo in pochissimi frangenti. Segue "Berge", e lo shoegaze a la Alcest si palesa nel sound dei nostri andando a cozzare con le partiture più rozze del black cascadiano. Musica decisamente da pelle d'oca, in grado di emozionare l'animo anche dei più tenebrosi black metallers. Lukas (responsabile di tutti gli strumenti) e Anne (alla viola e violino) sanno come prenderci per mano e condurci nel loro mondo in bianco e nero, in cui la serenità riesce a convivere con una straziante malinconia. Un paradosso si, ma è il sentimento che si percepisce dall'ascolto di questo album incredibile. Echi armonici dei Katatonia di 'Brave Murder Day' si avviluppano al folklore degli Agalloch, intrisi da quell'amore per l'acustica che invece hanno gli inglesi Falloch. Eccoli i riferimenti principali che si possono ritrovare nella matrice musicale degli Ellende, ovviamente rivisti con una certa personalità e diverse buone idee. 'Ellende' non è un album lunghissimo, quindi non vi stancherete certo di ascoltarlo: sei brani, la cui durata media si assesta sui 7 minuti, in cui anche voi vi innamorerete delle struggenti melodie disegnate dagli archi, e meravigliosa a tal proposito la strumentale "Aus Der Ferne Teil I". "Feuer" è una song un po' più canonica, che non spinge mai sull'acceleratore e che vive i suoi momenti più emozionanti, quando il sound viene congelato su ritmi rallentati che emanano un profondo senso di disagio, complici anche le arcigne vocals di Lukas. Lo spettro post rock/shoegaze di Neige e soci aleggia assai percettibile sui nostri, ma non confondete il plagio dall'ispirazione. In questo lavoro assai importante è la formazione classica dei due musicisti austriaci che viene profusa in tutte le tracce qui contenute, anche nella lenta e depressiva "Meer" ove su un ritmica mid-tempo, i violini ricamano splendide e tenue melodie che ammorbidiscono la proposta del combo. A chiudere anzi tempo la release, arriva la seconda parte di "Aus Der Ferne Teil II", song più rabbiosa in cui coesistono tutte le componenti umorali di 'Ellende', quella estrema, l'anima eterea post rock, la classica, e una più spirituale neo folk, per un finale che conferma le enormi potenzialità degli Ellende, a cui mi sento di suggerire l'impiego anche di qualche clean vocals a placare l'ardore selvaggio delle malefiche scream vocals. Grande debutto. (Francesco Scarci)

(Talheim Records - 2013)
Voto: 80

http://www.ellende.at/

sabato 29 marzo 2014

Albinö Rhino – Return of The Goddess

#PER CHI AMA: Stoner/Doom/Psych Rock
Lo ammetto, ho qualche (grosso) problema con questo disco d’esordio dei finlandesi Albinö Rhino (attenzione alla “ö”, per non confonderli con i quasi omonimi americani Albino Rhino): la musica contenuta in questi 35 minuti di doom lisergico mi piace almeno tanto quanto ne odio l’assurda produzione. Sia che si tratti di una deliberata scelta di missaggio, sia che ciò sia dovuto alla povertà dei mezzi, questo disco è registrato in modo che definire dilettantesco equivarrebbe a fargli un grande complimento. Conosco persone che, nello scantinato di casa propria, riuscirebbero a tirar fuori una cosa che, al confronto, suonerebbe come 'The Dark Side of the Moon'. La batteria sembra sia suonata con i fustini di detersivo, le chitarre un ronzio sullo sfondo, e in generale la sensazione è quella di essere rimasti fuori dal locale dove il gruppo sta suonando: si sente qualcosa, e anche qualcosa di molto interessante, ma il punto è che siamo sempre fuori, sul marciapiede, al freddo… E il rimpianto è notevole, proprio perché quello che si intuisce lascia davvero sperare per il meglio: irresistibili riff, downtuned come si conviene, pezzi che sembrano validi e, ed è quello che li caratterizza maggiormente, un’attitudine psichedelico-lisergica davvero sorprendente. Nel brano d’apertura “Master Kush” fanno bella mostra di sé (o almeno così sembra, da quello che si riesce a cogliere) un wurlitzer e addirittura un theremin, ma i veri capolavori per me sono la title-track e “Mazar!”, con le loro acidissime chitarre wah contrapposte alle ritmiche marziali e le voci cavernose, quasi una versione doom degli Amon Düül II di 'Yeti'. A breve dovrebbe uscire il loro nuovo lavoro, e per farne un disco epocale, basterebbe che risuonassero questi stessi pezzi con qualcuno in grado di registrarli degnamente. Il voto non può quindi che essere una media tra l’ottima musica e la pessima resa sonora. Peccato. (Mauro Catena)

(Bad Road - 2013)
Voto: 65

https://www.facebook.com/albinorhinodoom

venerdì 28 marzo 2014

Enthroning Silence – Throned Upon Ashes of Dusk

#PER CHI AMA: Depressive black metal, Burzum, Yayla, Coldworld
La band piemontese attiva discograficamente sin dal 2002, interrompe un silenzio lunghissimo rimettendosi in pista con questo lunghissimo e drammatico album, datato 2013 e licenziato via Dusktone. Alfieri del genere depressive black metal, i nostri non si smentiscono e sfornano un album catatonico, malato, depressivo e colto al punto giusto. Chitarre dissonanti, zanzarose ed echi lontani di ritmiche aggressive, la voce in presenza sporadica e di cupo effetto, un'alchimia estraniante ed un sostrato di effettivo rifiuto del mondo così come lo conosciamo; sei pezzi che oscillano tra gli otto e i quattordici minuti racchiusi in un artwork dalle sembianze deliziosamente tetre. Un forte aspetto psicologico governa questo tipo di musica, una via di liberazione attraverso le lande del dolore infinito, la ricerca del vuoto che permette di creare qualcosa. Alla base di tutto questo si celano gli insegnamenti del più isolazionista Burzum ma anche di realtà diverse e meno famose ed altrettanto intriganti come Yayla o i Coldworld, anche se qui, a differenza delle composizioni della band tedesca, l'elettronica non c'è e nemmeno l'ambient. Certamente coesiste una matrice atmospheric black che accomuna questi progetti così diversi. Il sound è alla deriva del miglior black sotterraneo e non mostra compromessi presentandosi come un lungo funereo cammino di riflessione, carico di delusione e rammarico che comunque nasconde una grossa vena romantica nel suo essere così drammatico, una sorta di reinterpretazione sonora del 'Dracula' offerto nell'interpretazione di Klaus Kinski, con lo stesso effetto isolazionista che la colonna sonora del film curata dagli Popol Vuh riusciva a dare. Drammatico, sepolcrale e illuminato. (Bob Stoner)

Valdur - At War With

#FOR FANS OF: Blackened Death Metal, new Behemoth, Acheron, Kult ov Azazel
Initially starting off along a similar route but diverting slightly for a few albums, California Blackened Death Metal act Valdur return for a crushing third opus that actually pulls off their original style fairly competently if not exactly bristling with originality. Weaving a path that recalls modern Behemoth to a tee, from the rapid-fire drumming overloaded with blastbeats and clashing cymbals to an alternating series of charging high-speed riffing with the intent of utter devastation regardless of casualties or injuries along the way or a more melodic style incorporating tremolo-picked variations in a less-chaotic-but-still frantic tempo, deep slaughtering vocals and a darkened, sinister vibe, this all feels like the most infamous plays in the Poles playbook and doesn’t really offer up much deviation in the attack. The few cases of deviation occur due to their more traditional Black Metal leanings which cause a surprisingly coherent mesh with the more modern influences and results in a heavy atmosphere to surround the material when it’s not in full-on blasting mode, the lengthy mid-tempo dirges and elongated rhythms seemingly borrowed from Acheron to allow for a more straightforward assault than expected. While this does in fact produce a good sense of intensity and ferocity throughout the album, borrowing liberally from those two does tend to leave this one feeling a little like a rehashing of Behemoth leftovers covered by Acheron and Kult ov Azazel and really knocks some points off for the unmistakable feeling of familiarity present in the band. That still doesn’t take away from the songs themselves, which are quite enjoyable at times. After a brief intro to get things started on the right path, proper first track "Conjuring the Fire Plagues" is pretty indicative of what to expect with its bombastic drumming, scorching riff-work and rapid-fire tempos careening throughout the piece, while still delving into cacophonous-sounding patterns reminiscent of the retro Death Metal revival scene and throwing some thrash in a few places, all the while maintaining a dark, ominous vibe with the riffs and drum-work. A slightly-slower but still similar march is employed in "Death Winds Will Cleanse" while "The Calm Before War" and "Hammer Pit" offer up more rousing, up-tempo stylings. The sprawling, multi-sectioned epic "At War with the Old World" is a highlight as well, maneuvering through a blinding series of tempo changes, mood variations and a dynamic set of riffs to keep the track from becoming a lumbering chore to get through. The album’s weak-link is the back-to-back brief tracks "Incantre" and "Vast," as the former merely come off like leftover riffs that were stuck on to make this a proper length release with their one-note blasting and minute, barely-noticeable pattern changes that don’t do much of anything dynamic and the latter being a worthless mid-section interlude. Even still, the band is at the most extraordinarily competent at this style so it does regain a little favor with its precision attacks and engaging skill-set, and that does make for a better-than-expected if slightly familiar effort. (Don Anelli)

(Bloody Mountain Records - 2013)
Score: 70

https://www.facebook.com/pages/VALDUR

mercoledì 26 marzo 2014

Shylmagoghnar - Emergence

#PER CHI AMA: Black Progressive, Enslaved, Throes of Dawn 
Non proprio semplicissimo da ricordare il nome di questo ensemble olandese: il nome Shylmagoghnar non è di sicuro il modo migliore per far breccia nella testa dei fan. Quando vado ad analizzare poi la musica di 'Emergence', fortunatamente mi trovo di fronte un combo preparato, di cui mai penserei si trattasse del full lenght di debutto e alla fine mi risulta abbastanza semplice venir conquistato dalla proposta dei nostri. La lunga opening track dà sfoggio del sound potente, cristallino, coinvolgente e a tratti dark, dell'act dei Paesi Bassi; peccato solo sia una song strumentale perché una bella voce arcigna avrebbe calzato a pennello, per quella che è una proposta che si avvicina agli ultimi lavori dei finlandesi Throes of Dawn. Nella successiva title track, giunge a supporto della musica anche la voce che auspicavo poc'anzi, a dare ampio conforto al sound vibrante del duo di South Limburg. L'offerta degli Shylmagoghnar si presenta come un black atmosferico venato di fraseggi pagani, con piacevoli cambi di tempo, belle linee melodiche e rimandi alla tradizione vichinga nord europea. "Edin in Ashes" nel suo riffing iniziale ricorda gli Immortal più melodici, mixati con il progressive degli Enslaved; poi un bel riffone thrash si impossessa della song e la guida verso un finale che colpisce per un epico assolo. Un trio basso/batteria/tastiere apre la breve e orrorifica "This World Shall Fall" in cui mortifere (ed eccelse) vocals, cantano probabilmente la fine del mondo. L'atmosfera apocalittica che si respira in questa song è perfetta e tutto risulta ben bilanciato per dipingere il catastrofico destino del nostro pianeta. "Squandered Paradise" è un brano mid-tempo, che a parte la splendida sfuriata centrale (in stile Unanimated/Dissection) ha ben poco da dire. Seguono un paio di suggestive e autunnali tracce strumentali, ma ancora una volta finisco per sentire la mancanza dei bei vocalizzi del duo formato da Nimblkorg e Skirge, finendo per associare le melodiche linee di chitarra a quelle degli svedesi Slumber/AtomA (band che peraltro adoro). Quando attacca "A New Dawn" ho la definitiva conferma che gli Shylmagoghnar acquisiscano una propria e definita anima se uno dei due vocalist traina la song che nel suo avanzare, subisce qui il fascino per le atmosfere dei Cradle of Filth più ispirati. 'Emergence' è un album che mi piace parecchio, che tuttavia soffre ancora un po' delle pesanti di ispirazione dei giovani musicisti. Con il prossimo lavoro, sono certo che i nostri raggiungeranno una maggiore personalizzazione della loro proposta, ma intanto dategli fiducia che lo meritano. (Francesco Scarci)

(Self - 2014)
Voto: 70

domenica 23 marzo 2014

Stoner Kebab - Simon

#PER CHI AMA: Stoner/Psichedelia/Doom
Il quartetto da Prato più stoner/doom del momento esce con un nuovo lavoro, il quarto in ordine temporale e non potevamo farcelo sfuggire. Come fautori di tale genere, gli Stoner Kebab non posso esimersi dalle accordature più basse possibili permesse dagli strumenti a corda e questo li avvicina al sound classico del genere, ma i nostri giocano la loro carta vincente anche in altro modo. Puntano infatti su un cantato meno tenebroso e su arrangiamenti di chitarra che rendono la loro produzione potente e allo stesso tempo diversa da altri gruppi legati al classico doom. Infatti "St. Lucy" è la prima traccia dell'album che con i suoi dodici minuti abbondanti di riff, feedback e cattiveria varia, vomita il meglio del repertorio dei quattro immondi ragazzi. Molto saggio l'assolo di chitarra al quarto minuto che regala, anche se per poco tempo, un'atmosfera post-qualcosa e ci permette di sopravvivere alla potenza inaudita di watt sperperati al vento e prendere fiato per immergersi di nuovo nella tempesta. Un brano duro come il marmo e alienante allo stesso tempo. "Mad Donna" invece è puro stoner alla Sky Valley, veloce, scandito e urlato al cielo come non ci fosse un domani. Pura energia tramutata in pressione sonora che vi scompiglierà la lunga barba e se non ce l'avete già, provvedete al più presto. La quarta traccia è "Sex Sex Sex" che viene introdotta dal sitar che negli ultimi anni sta imperversando nelle produzioni stoner, forse per quella componente tribale che si cerca di ritrovare nelle nostre profonde radici su questo arido pianeta. Poco dopo lo strumento a corde indiano viene schiacciato da uno dei riff più lenti e oscuri della storia del doom, ma non pensate che sia finita qua. Gli Stoner Kebab cambiano ancora direzione e ci regalano un break psichedelico con tanto di tastiera. Verso la fine il riff si ingrossa pur rimanendo fedele alla linea simil anni settanta. "The Monster" chiude la versione digitale di "Simon" (nel cd fisico troverete una traccia in più) e ci circonda con i suoi lunghi tentacoli, come in una novella di Lovercraft, dove l'immenso orrore è pronto ad assalirci e trascinarci nei profondi abissi senza tempo. Un brano molto emozionale, da non ascoltare assolutamente al buio e da soli, la pazzia potrebbe avere la meglio... La band è sicuramente valida e il loro meritato successo è proprio dovuto alla loro sfrenata pazzia che non ha certo paura di sperimentare. La costante crescita rispetto ai precedenti lavori ci fa sogghignare e possiamo solamente immaginare cosa ci aspetta in futuro. Nel frattempo mi cospargo di cenere il capo per averli persi al Circolo Bahnhof di Montagnana, ma cercherò di rimediare al più presto. (Michele Montanari)

(Santa Valvola Records - 2013)
Voto: 80

Dementia Senex - Heartworm

#PER CHI AMA: Death/Djent/Postcore 
I cesenati Dementia Senex debuttano con un EP di tre pezzi, con l'intenzione di mostrare di che pasta sono fatti. Speriamo che questo sia l'antipasto di quanto bolle in pentola, che si preannuncia essere alquanto prelibato, ma per il momento non ancora cotto a puntino. Il five-piece romagnolo ci offre un concentrato abrasivo di sonorità di matrice death metal, pesantemente influenzato dall'ultima ondata post (hardcore e metal). La gavetta fatta a supporto di bands come Mouth of the Architect, Ulcerate o Fleshgod Apocalypse, darà sicuramente i suoi frutti in un immediato futuro. Ma passiamo all'analisi dell'EP. "Unscented Walls" è una song che inizia e scivola via piano prima di carburare, sciorinando un riffing schizoide, vocals al vetriolo e un martellante drumming. Ahimè il potenziale esplosivo della band rimane tuttavia inespresso e lascia con la voglia di ingurgitare qualcos'altro di più sostanzioso per saziare il proprio appetito. E dire che in termini di preparazione tecnica non vedo alcun problema, musicalmente i nostri sono ineccepibili, ma sembra sempre che il colpo rimanga strozzato in canna. Non basta, seppur apprezzabile, un breve break semi acustico o delle leggere interferenze industrial, per conciliarmi appieno con la proposta dell'ensemble italico; in un genere ormai estremamente competitivo come il post, bisogna osare e stupire e i nostri non ci riescono ancora al 100%. La opening track rimane quindi e ahimè, un'incompiuta, speriamo nelle successive. "Kairos" è un breve pezzo di due minuti in mezzo, decisamente più votato a quel death metal, da cui i nostri erano partiti: un sound mai troppo feroce ma ricco di cambi di tempo, di scuola Death. Un inizio acustico apre la conclusiva title track, che si rivela essere la song più variegata delle tre, dove le sonorità alternative/nu metal della struttura armonica, si miscelano con un funambolico attacco all'arma bianca, mentre le vocals si alternano tra un growling ulceroso e un "neo" cantato pulito. Le ritmiche poi rientrano nei binari di un death venato di djent, mostrandosi serrate e puntuali, e completando il quadro corroborante di un lavoro che palesa ancora alcuni difettucci in termini di songwriting, di cui sono certo, la band sarà in grado di raddrizzare, ma confermando anche le enormi risorse che l'act di Cesena può vantare. Ovviamente, anche la durata complessiva di 'Heartworm' (17 minuti) non giova, rendendo più complicata un'analisi approfondita della proposta dei nostri. Dalle band italiane si pretende sempre il massimo e io dai Dementia Senex mi aspetto molto di più. (Francesco Scarci)

(Drown Within Records - 2013) 
Voto: 65 

giovedì 20 marzo 2014

Ars Goetia - Servants Of Void

#PER CHI AMA: Old school black metal, Mayhem, Celtic Frost
Il black metal è un genere poco fantasioso ma certamente ampio, tanto che usualmente lo si identifica solo nella sua accezione della second wave tralasciando le radici thrash. I padovani Ars Goetia invece sono riusciti ad andare più indietro rispetto alle altre band che cercano di emulare, spesso con risultati deludenti, le icone del genere. Se solitamente le influenze o i plagi sono di band storiche come Darkthrone, Marduk o Burzum (per fare degli esempi profondamente differenti tra loro in modo da ampliare il raggio di possibili richiami), i nostri presentano un sound non votato alle gelide lande a cui solitamente facciamo riferimento, ma più ad una forma primordiale tipica dei primi lavori di gruppi fondatori come Mayhem, Bathory, Celtic Frost o Sarcofago, quando etichettavano la loro musica come "deathrash". La composizione è difatti minimale, sporca, non c'è millimetrica precisione ne elevata velocità ma solo oscurità e rabbia, la title-track all'apertura del disco ne è la prova, come la successiva "The Witch of Endor" mentre le tracce più rappresentative che scavano nelle radici musicali del genere toccando l'hardcore, punk e il thrash si trovano nella seconda metà del disco, come "Virgin Prostitute" e "Crusted Blood". Quello presentato dai nostri blacksters è un prodotto originale che emerge dal piattume "wannabe black metal", il quale purtroppo rovina questo genere culto generallizando tutti i loro adepti. L'unico lato negativo di quest'opera potrebbe essere la mancanza di mordente e la staticità della composizione, che nonostante un songwriting schietto ed old school rischia di annoiare a causa del minutaggio del disco. Ad ogni modo missione compiuta Ars Goetia! (Kent)

(Baphomet in Steel - 2013)
Voto: 70

Giza - Future Ruins

#PER CHI AMA: Instrumental Post-metal, Sludge, Isis
Da quanto tempo non vi capitava di premere repeat per quattro volte di seguito per un brano di un disco nuovo? Personalmente da un bel po’. E mi è capitato adesso, con “Hour of the Bullfight”, traccia numero 4 di questo lavoro di debutto dei Giza: un riff che cresce e monta piano, fino ad esplodere fragoroso e irresistibile come il lavoro indemoniato della batteria, e poi una seconda parte meditabonda, con colpi lenti che sembrano i magli di una fonderia. Il biglietto da visita con cui si presenta questo trio di Seattle è di quelli importanti, molto importanti: pur essendo un'autoproduzione, questo loro esordio è stato infatti registrato nei leggendari Litho Studio (per intenderci quelli in cui sono stati registrati i dischi di Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, tra gli altri) da Matt Bayles, già produttore di gente come Mastodon, Isis, Cursive, Russian Circles, tanto per far qualche altro nome. E in effetti il suono di questo disco è di quelli che ti fanno vibrare dentro. I tre sono autori di un post/sludge strumentale potentissimo e piuttosto apocalittico (la copertina parla chiaro, del resto), giocato su una profondità sonora e compositiva davvero invidiabile, in grado di mostrare nuove sfumature ad ogni ascolto. Apocalittici, si diceva, e apocalittico è l’attacco di "Séance", lenta e maestosa marcia di distruzione, portata da una chitarra devastante, un basso lirico e impressionanti gragnuole di colpi della batteria. Se non siete annichiliti dopo dieci minuti così, ci sono ancora da affrontare l’ondivaga “Wake & Drag”, con il basso ancora una volta a fungere da strumento solista, la rutilante “Roaming Hordes” e la conclusiva “Great Leader”, che contribuisce non poco a ridefinire il concetto di potenza, così come lo conoscevano gli altoparlanti del mio stereo. L’unico appunto che si può muovere ai Giza è quello di non essere proprio originalissimi (dopotutto Isis e Pelican sono in giro da un po’), ma in loro si intravede il marchio dei fuoriclasse. Se lo siano davvero, ce lo dirà il tempo. (Mauro Catena)

(Self - 2012)
Voto: 75

Barbora – Tartarus

#PER CHI AMA: Metal Avantgarde, Ephel Duath, Voivod, Disharmonic Orchestra  
Barbora è una chitarrista proveniente dalla Slovakia di base a Londra con una passione smodata per la chitarra e il metal in generale. Lei programma le percussioni, suona anche il basso e ovviamente tutte le chitarre presenti su questo album interamente autoprodotto. Diciamo subito che l'aspetto di Barbora non ci aiuta a capire di quale musica potrebbe nutrirsi una giovane tanto graziosa e questo ci riserva un'ottima sorpresa. L'apertura di questo album è data dal brano "Creation", brano di due minuti circa che già fa presagire qualcosa di particolare. Il pezzo inizia con rumori d'ambiente creando il tappeto ideale per l'ingresso di 'Tartarus' che sembra appena uscito dalla scatola magica degli Ephel Duath, tanto il suono riflette dissonanze prog e schegge di jazz metallico impazzite, ritmiche stregate dal potere lunare adatte a coltivare un amore per le allucinazioni sonore di scuola Voivod con sperimentazioni a volte anche azzardate. In "Orpheus" ci si scontra con una sonorità thrash/death devastante e trasversale in stile Disharmonic Orchestra, contornata da una voce growl violentissima (quella di Simon Duthilleul Vannucci aiutante per voce e synth). Il brano si snoda in un groviglio di note e riff contorti e vorticosi in cui potremmo facilmente affogare, onde sonore anticipate da un intro di vago ricordo Jeff Buckley. Nel quarto brano "Eurydice", ci si scioglie in un'onirica suite, delicatissima e sognante che offre un istante di alternative folk al cd e ci traghetta dolcemente verso "Odysseus". Il brano mette in luce il lato più progressivo della nostra eroina che per l'occasione mostra una voce indie inaspettata, quella dell'amica Kaya Labonte-Hurst, affascinante, ammaliante e alquanto atipica per il genere (ascoltate la cover di Chris Isaak, "Wicked Game", fatta dal duo che trovate su bandcamp). Nel finale un'altra suite per la bella chitarra di Barbora che si cimenta in un brano acustico dove sfodera parte delle sue doti esecutive e compositive leggermente offuscata da una registrazione non in linea con il resto del lavoro. Un EP decisamente stravagante, tanto prog metal alternativo con svariate buone idee, un sound intrigante e solo in parte bisognoso di una produzione più intensa e professionale. Un concept ispirato alle leggende dell'antica Grecia, un album metal non catalogabile, fuori dagli schemi, bello e non di facile approccio. Diremo una sfida... che Barbora ha vinto! (Bob Stoner)

(Self - 2013)
Voto: 70

Shrapnel - The Virus Conspires

#FOR FANS OF: Modern Thrash, Blood Tsunami, Demonica
With all the hoopla over the retro-sounding thrash acts coming out nowadays, sometimes it’s nice to be able to just sit down with an act that doesn’t try to ape the sound of 1986-era thrash. The UK-based act bearing the name Shrapnel is part of this movement with perhaps no denying the fact that there’s more than enough acts reminiscent of that time period, it’s about the here-and-now in terms of thrash, and the intensity bristling through these eleven tracks certainly bears that attitude with absolute precision. Armed with a slew of vicious, intense riffing that bear the tell-tale stamp of modernity through their crystal-clear production, thumping omnipresent bass-lines, triggered patterns and technical precision rather than the more loose and energetic thrash of the glory days which seems somewhat inspired through Metalcore, as well as doing so through the vocals which feature the hoarse screaming/shouting tactic employed by such bands. Somewhat surprising for a modern band is the ability to dip into the melodic realm with their soloing to offer up a much-needed sense of relief from the storming chaos outside, which is the main goal here with the majority of the songs here content to rattle along at the bristling up-tempo pace they clearly enjoy and offer up plenty of high-speed tunes throughout. The real down-side to this is the fact that the band manages to fall in love with a singular pattern for attack and manages to incorporate that into nearly every track on here, resulting in a decided lack of distinction between the tracks. Drop this anywhere and it’s pretty tough to spot a singular note or pattern to distinguish where you are or what song’s playing for they all tend to sound pretty similar with the band in constant “attack-now” mode which does leave this to grow tired as well when looking for a bit or variety throughout which can also lose some points here. Intro "Kingdom Come" pretty much sets the stage for what to expect here, with barreling drum beats, razor-edged riffing and relentless paces that are forged by the screaming/shouting vocals that undoubtedly sound far more modern than old-school. "Titan" offers up some tripping backing vocals and a stuttering pace to keep things barely contained as the pace threatens to rattle out of control throughout the blistering drumming featured throughout, while the barreling "Brain Dead" offers up some highly melodic solo leads during the intense stages. Ironically, it’s not until the title track where it really starts getting really original with a rather vicious set of riffs sprinkled throughout the raging tempo and manages to strike itself as an album highlight that offers hints that the band might be able to glom onto for future releases for its blend of intensity, technicality and sense of variation within the guitars where it’s not just set to the same pattern throughout. Beyond these, really only "Red Terror" manages to really evoke a response with its barreling performance, tight riffing and pounding drumming working along a rather stylish pattern, even though "The Watchers," "Pseudocommando" and "Poison the Mind" all have the markings of being vicious, energetic thrashers. It’s all just too similar to each other to really stand-out, even though it’s pretty clear the band is good at this form of intense thrash and that youthful exhurberance makes for a few extra points. (Don Anelli)

(Candlelight Records - 2014)
Score: 75

mercoledì 19 marzo 2014

Tartharia - Bleeding for the Devil

#PER CHI AMA: Black/Death melodico, Throes of Dawn, Arch Enemy
Allora lasciatemi ringraziare immensamente la band dei Tartharia, che non solo mi ha inviato il cd dell'ultima compilation (di cui presto leggerete la recensione), ma addirittura Lp in questione, che rappresenta il quarto lavoro della loro decennale carriera. Cosi, con la gioia di un bambino in corpo che gioca con le sue macchinine, io col mio bel vinile, mi lancio all'ascolto di 'Bleeding for the Devil', album di 10 pezzi, belli freschi e incazzati. Le danze si aprono con i 2 minuti di "Metal Salvation", song essenziale che sembra immediatamente decretare l'amore della ensemble di San Pietroburgo per il death di matrice finlandese (Throes of Dawn su tutti). Sarà la vicinanza della grande città russa alla Finlandia, ma gli elementi canonici ci sono tutti: un bella ritmica in cui la chitarra che disegna trame melodiche va a raddoppiare quella che segna invece il passo veloce dei nostri, sorretti da vocals arcigne che nella successiva "Bridges Burning Memories" diventeranno decisamente più growl, almeno all'inizio, dove compare anche la voce di una donzella. Il sound si fa tuttavia più tirato e meno spazio viene concesso a quelle gentili linee di chitarra, per far posto invece ad una bella galoppata thrash/death di scuola Arch Enemy oriented, interrotta da qualche frangente doom. La terza è la title track, song dotata di un buon tiro ma soprattutto di un bel chorus; se devo trovare un pregio ai Tartharia, è quando i nostri spezzano il loro torrenziale incedere con qualche break di tastiere o frammento doom. Con "Satisfactory Suffocation" vengo nuovamente investito dalla furia black/death dell'act russo, ma si tratta sempre di un sound carico di groove che rende più accessibile la proposta. I nostri ci prendono a calci nel fondo schiena ma fondamentalmente lo fanno con il sorriso sulle labbra, regalandoci costantemente melodie catchy. La durata mai eccessiva dei brani (fatto salvo per la conclusiva e misteriosa "Mission Failed") fa si che le song arrivino dirette là dove devono arrivare, stampigliandosi con il loro chorus o la loro bella melodia fischiettabile, nella mia testolina. 'Bleeding for the Devil' è un album che non richiede macchinosi sforzi fisici per essere compreso o apprezzato; è sufficiente premere il play nel vostro hi-fi e lasciarsi guidare dal sound robusto del quartetto guidato da Igor Anokhin. "Newer Too Late" è probabilmente la song più varia del lavoro (e anche la meno tirata) ma sicuramente quella dalle atmosfere più crepuscolari, in cui fa la comparsa anche una certa effettistica cyber. "Prime Evil" e "Half a Sense" sono due schegge impazzite: la prima più blacky, la seconda più orientata ad un versante rock, per un risultato finale decisamente apprezzabile. I 10 minuti finali di "Mission Failed" si presentano come una bella crivellata di colpi d'arma da fuoco, che tra una cavalcata e l'altra sorrette da ottime e flebili tastiere poste in secondo piano (ma dal forte effetto funzionale), qualche buon assolo, decretano la buona riuscita di questo lavoro. In realtà il brano dura sui 5 minuti, poi un paio di minuti di silenzio per la ghost track che si nasconde in coda, che riprende il mood dark melodico della opening track. Consigliatissimi. (Francesco Scarci)

(Phantom Pain - 2014)
Voto: 75

Enos - Chapter I

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Stoner/Sludge, Space rock, Orange Goblin, Baroness, Sleep 
Si intuisce che c’è più del solito disco in questo 'Chapter 1' degli Enos solo guardando il packaging: schemi di costruzione di razzi spaziali, un bel fumetto free – come il disco, d’altra parte: tutto in free download –, e una tracklist che racconta già una storia: quella di una scimmia, Enos, che negli anni ’60 fu addestrata dalla NASA e lanciata nello spazio come test per i futuri viaggi dello shuttle. Enos tornò a casa, nella vita reale: la band inglese, invece, immagina che da qualche parte la scimmia si perda nello spazio e ritorni sulla Terra, sì, ma ormai trasformata in qualcos’altro. Musicalmente gli Enos pescano a piene mani elementi dello stoner/sludge psichedelico di oltreoceano (c’è qualcosa dei Kyuss, certo, ma anche di Sleep, Baroness, Hawkwind) mantenendo comunque un certo piglio British (Orange Goblin, persino Pink Floyd a tratti) soprattutto nei suoni, nella struttura delle canzoni e nel mood generale. Cinque tracce per 35 minuti: si va dai potenti riff stoner di “Launch” alle atmosfere space guidate dalla chitarra acustica di “In Space”, ma c’è spazio anche per la psichedelia floydiana di “Floating” e per l’oscurità doom delle inquietanti “Transform” e “Back To Earth”, che chiude il disco con tre minuti abbondanti di un riff ossessivo che non dimenticherete facilmente. I quattro Enos si muovono con personalità e sicurezza pur essendo un debut album: si percepiscono le influenze già citate, ma ben miscelate e interpretate con gusto e presenza. Bella la voce quasi costantemente in delay (mi ricorda i Sons Of Otis), bello il taglio blues di molti soli, belli i misuratissimi interventi di soundscapes di tastiere. Volete un difetto? Alcuni suoni, il rullante in particolare, sono forse un po’ troppo lo-fi persino per un genere che ha fatto della produzione sporca e grezza un marchio di fabbrica. Ma “Chapter 1” degli Enos resta davvero un bel lavoro, pieno di idee e ben suonato: se non bastasse, lo ripeto, l’album è pure in free download. Da avere. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2010) 
Voto: 75 

lunedì 17 marzo 2014

Circsena - S/t

#PER CHI AMA: Black Folk Atmosferico, Agalloch, Menhir 
E' decisamente controverso il mio giudizio sull'album in questione per tutta una serie di motivi: partendo da quello negativo, posso dire che non mi piace la grafica fantasy troppo elementare della cover cd e della pseudo brochure che lo accompagna. Tuttavia considero una bella trovata proprio quella della brochure, che narra la storia della band teutonica, ne ritrae i suoi componenti in modo stilizzato, descrive i brani track by track, narra la epica storia alla base di questo cd ed infine ne riporta i testi. Insomma, i nostri hanno già fatto tutto da soli, probabilmente non sarebbe necessario neppure il mio commento, ma quando serve un giudizio obiettivo, eccomi materializzarmi per voi. 'Circsena' è un EP di quattro pezzi che apre con il dolce flauto di "Wandering Above the Trees and Moors" che palesa immediatamente l'amore del duo della Sassonia per un viking black folk mid-tempo, carico di melodie nordiche abbinate ad un riffing mai troppo pretenzioso e ai vocalizzi graffianti di Daniel Kirchhoff. Un che dei primi Einherjer o dei connazionali Menhir, emerge dai solchi di questo self titled EP. Con "The Sleeper" ci si ritrova nel bel mezzo della foresta, ne percepisco l'odore del muschio e delle rocce bagnate. L'atmosfera è rilassata e quasi sognante: si tratta di una song strumentale in cui a mettersi in evidenza è il pulsante suono del basso e di una chitarra che ricama psichedeliche ambientazioni che mi conducono a "Here I Am", terza traccia di questo interessante lavoro. Una song che ha abbandonato quasi del tutto gli umori vichinghi della opening track (fatto salvo per il break centrale), e che sembra piuttosto aver abbracciato un sound molto più vicino a 'The Mantle' dei maestri Agalloch. Meravigliose (e malinconiche) le linee di chitarra, ottimi i suoni bucolici nella sua parte centrale e spiazzante la comparsa delle eteree vocals della guest Janina Jones a creare un ambientazione ancora più sognante; azzeccatissima infine la scelta dei cambi di tempo. Ottime le tastiere che con un bel riffing ritmato, aprono la conclusiva "The Age of the Dryads Pt.1", song di breve durata che mette in luce altre analogie con i gods di Portland, e che fanno balzare i Circsena in testa alle mie preferenze all'interno di questo genere. Non so se siano la risposta europea agli Agalloch, sinceramente me lo auguro, perchè Daniel e Jens Wallis di talento ne hanno da vendere. Sono certo che di risposte ne avrò a breve, visto che questo EP è preludio ad altri due cd in arrivo che continueranno la saga del potente regno di Dryad. (Francesco Scarci)

(Self - 2013) 
Voto: 75 

domenica 16 marzo 2014

A Very Old Ghost Behind the Farm - La Came Crude

#PER CHI AMA: Post Metal/Stoner, Neurosis, Cult of Luna 
Se il primo album dei francesi A Very Old Ghost Behind the Farm ci aveva impressionato per il loro piglio stoner doom, con questo secondo lp, l'ex one man band di Tolosa, guidata da Lundi Galilao (che abbiamo già incontrato nei Dead Mountain Mouth), cattura la nostra attenzione per tutta una serie di trovate. 'La Came Crude' per un giorno mi ha invogliato allo studio del francese. Perché vi chiederete voi. Vi rispondo che in compagnia del cd, vi arriverà anche una piccola novella scritta proprio nella lingua madre dalla band transalpina, che narra di una leggendaria e folkloristica creatura della Guascogna e delle regioni dei Pirenei (appunto la came-crude), simile ad un gufo dotato di un solo artiglio allungato sul quale risiede un terzo occhio, che era solito vagare di notte e divorare la gente per la strada. Ecco, partiamo quindi da questo scenario di terrore per descrivere la nuova fatica di Lundi e soci: un'unica traccia suddivisa in due parti che esordisce con uno scenario notturno, proprio come se la notte scendesse su un paese qualunque di quella zona della Francia. Quindi la quiete sul calare della sera, le luci che si accendono qua e là nelle case, il crepitio del fuoco. Ovviamente ci troviamo in un'epoca medievale in cui le credenze verso il male e creature mostruose sono ben diffuse, soprattutto per incutere timore nei bambini "cattivi". Ma in questa apparente situazione di calma, quando ormai la notte è calata e ormai poche persone girano per la strada, ecco le prime urla di sgomento, segnate anche dallo screaming infausto di Lundi e da un'atmosfera di ansia e fuga, cosi ben descritta dal riffing post metal dei nostri. La paura si fa sempre più palpabile, una vera e propria escalation di ansia, terrore e orrore. Le poche persone per la strada fuggono all'impazzata, mentre la creatura infernale inizia a svolazzare alla ricerca della sua cena. Strazianti urla annunciano la presenza del mostro, un break acustico pare riportare la calma, ma un viandante con la voce stile Arcturus, annuncia invece che la morte si abbatterà su qualcuno quella notte. L'attesa è snervante, l'atmosfera sempre più tesa, e si prepara ad un epilogo funesto. La creatura deve nutrirsi ed è pronta al primo assalto. Un break di basso descrive il volo del mostruoso volatile e poi eccolo attaccare. Esplode un riffing dalle molteplici sfaccettature: stoner e post metal diventano una sola cosa. La furia imperversa. Montagne di riff, un assolo da paura. La came-crude ha fatto la sua prima vittima e la divora con somma voracità. Solo la preghiera corale delle persone per colui che è stato prescelto come vittima, riporta un po' di calma, ma è solo una questione di pochi attimi, perché il terrore torna a divampare tra le strade. Il mostro non è sazio e vuole far suo qualcun altro. I ritmi tornano a rallentare in un cupo incedere doom su cui si stagliano le clean vocals del bravo artista francese. Ancora attimi di attesa e terrore sorretto da una ritmica quasi marziale. Ecco calare definitivamente le tenebre con un sound al limite del funeral doom. Il pericolo sembra tuttavia scongiurato. Un temporale infatti pare aver allontanato il volatile malefico, ma il suo spettro ancora aleggia spaventoso nella notte per un ultimo attacco, che certo non tarda ad arrivare. Ecco esplodere nuovamente un violento riffing, che strizzando un po' l'occhiolino ai Neurosis, si rivela come un finale presagio di morte che si spegne in un ottimo assolo e in un riffing conclusivo degno dei migliori Cathedral in versione quasi black metal. Non c'è tregua un solo attimo in questa magnifica release del sempre più sorprendente Lundi Galilao, che con 'La Came Crude' colpisce ancora con la sua straordinaria inventiva e prolificità musicale, con un lavoro che sarà sicuramente apprezzato da tutti coloro che gradiscono sonorità stoner/post/doom/black/sludge. Inquietante e coinvolgente! (Francesco Scarci)

(Peccata Mundi Records - 2014)
Voto: 85 

Orbweaver - Strange Transmissions From The Neuralnomicon

#PER CHI AMA: Death Grind Schizoide, Gorguts, Primus, Meshuggah, Naked City 
Gli Orbweaver arrivano dalla Florida e ci aprono all'ascolto del loro primo scrigno magico composto da cinque stupendi brani, magistralmente autoprodotti con un artwork di tutto rispetto, ricercato e perfetto per l'immagine della band. L'album è a dir poco allucinante, suonato divinamente, duro, tossico, violento, psichedelico e folle. Immaginate i Psyopus che suonano un tributo agli Hawkind con la follia dei Primus più trasversali e con la potenza devastante dei Napalm Death e avrete una vaga idea del groviglio sonoro proposto da questa stratosferica band. Un quartetto di tre ragazzi e una ragazza (Sally Gates suona la chitarra divinamente), formazione classica con un chitarrista cantante e una propensione al grindcore infarcito di LSD e viaggi cosmici, una tecnica invidiabile e una fantasia al limite del sopportabile in quanto a variazioni sul tema. Esagerati, forse fin troppo positivamente oppressivi nella proposta musicale indecente, troppo intellettuale, tanto affascinante ed emozionante e piena di sensazioni in continuo movimento. L'atmosfera è surreale, simile a quella di certi Voivod o Meshuggah e un gusto naif alla Ozric Tentacles, con una maniacale devozione alla forza d'urto, alle dissonanze e alle magnifiche chitarre interstellari, al viaggiare attraverso mille galassie di suoni . Un improbabile connubio tra Frank Zappa, i Naked City di 'Torture Garden', Cannibal Corpse, The Dillinger Escape Plan e Gorguts. È difficile spiegare come questi ragazzi abbiano superato indenni la tentazione di creare la solita zuppa di tecnicismi fini a se stessi, optando per un EP carico di suggestione sonora e chilometri di fantasia, cercando nuove vie di espressione, allargando i confini di una musica che molte volte cade nel sentito e risentito. Ci rendiamo conto che non sarà facile dare un seguito ad un tale capolavoro e per ora ce lo gustiamo spensierati a tutto volume, a bordo della nostra navicella cerebrale a spasso per lo spazio più profondo. Intelligente, geniale, fantasioso, estremo. Stellare! (Bob Stoner)

(Primitive Violence Records - 2013)
Voto: 85

25 Yard Screamer – Something that Serves to Warn or Remind

#PER CHI AMA: Progressive Rock, Dream Theater, Marillion 
Il progressive rock è un genere che, alle mie orecchie, suona di per sé come una cosa molto delicata. Posso amare oppure odiare con la stessa intensità questo tipo di musica, e spesso il confine tra un sentimento o l’altro si misura con la capacità dei musicisti di mantenersi in equilibrio su terreni molto, a volte troppo, scoscesi. Ci sono un paio di cose che mal sopporto e che non vorrei mai trovare in un disco prog: l’eccessiva freddezza e la prolissità che troppo spesso non è giustificata dalla quantità o la bontà delle idee musicali. Ebbene, da che parte stanno i 25 Yard Screamer? La risposta è: dipende. Per i miei gusti, perdono un po’ troppo di frequente quell’equilibrio di cui sopra, e così ci si sorprende a cercare il tasto “skip” più spesso di quanto sarebbe lecito aspettarsi. Il loro è un prog venato di hard che guarda ai Marillion, ai Rush e ai Dream Theater come punti di riferimento. Le qualità tecniche ci sono tutte, e anche l’esperienza dovrebbe giocare a favore dei quattro gallesi (formatisi da una decina d’anni abbondante). Peccato che alcuni brani risultino inutilmente lunghi (“Lost in a Green and Blue Sky” dura almeno 4 minuti di troppo), altri semplicemente piatti e troppo scarichi (“The Journey”, quasi irritante a tratti). A tutto ciò non giova una produzione un tantino troppo “sottile”, che non mette in evidenza le doti dei 25YS, e non rende un buon servizio alla pur bella voce di Nick James, che appare sovente troppo “davanti” e rischia di risultare un po’ pesante. Altrove ("The Ritual", "Always There", "Home is not Home") invece, tanto la scrittura quanto l’esecuzione sono davvero molto buone, cosa che però non fa altro che accrescere la sensazione di trovarsi di fronte ad un lavoro riuscito a metà, un’occasione sostanzialmente sprecata. Alla fine si arriva in fondo con una certa fatica, e la sensazione che questi 57 minuti siano durati almeno il doppio. Formalmente ineccepibili, ma lungi dall'essere indimenticabili. (Mauro Catena)

(WhiteKnight Records - 2013)
Voto: 65 

sabato 15 marzo 2014

Ewok - No Time

#PER CHI AMA: Electro Music
Il trio sloveno degli Ewok, con il loro primo full-lenght 'No Time', dimostra ancora una volta quanto l’etichetta “musica elettronica” voglia dire tutto e niente: qui non ci sono il groove dei Propellerheads, i suoni industriali dei Nine Inch Nails, gli arrangiamenti dei 65daysofstatic, il minimalismo di James Blake; non c’è nulla di dubstep, drum’n’bass o ambient. Cosa resta? Poco o nulla in realtà: il risultato è un disco che può forse funzionare in certi club dell’est Europa per scatenarsi dopo mezzo litro di vodka, un insieme di musichette goderecce da party di serie zeta, con quell’atmosfera da festa tardo-adolescenziale mentre i genitori sono fuori casa. Il basso e la batteria, che dovrebbero essere cuore pulsante del big-beat (ascoltatevi Fatboy Slim o Chemical Brothers, giganti del genere), negli Ewok hanno una personalità quasi inesistente. Vengono premiati di gran lunga i synth anni ’80 – noiosi già dalla terza traccia – e la voce, sempre a cavallo tra melodie new wave e hip-hop da dilettanti. Il premio di peggior componente va senz’altro a Milan Jerkic (voce), che esagera con gli “yeah!”, i “c’mon!” e gli “hey” trasformando anche le poche tracce appena interessanti ("Don’t Stop, Mr. Pacman") in una specie di ridicolo ballo di gruppo. Gli Ewok strappano un 55 solo per l’artwork del disco (la copertina è raccapricciante, ma il layout interno è ben fatto) e perché, dopotutto, è il loro esordio: mi piace credere che sapranno migliorarsi. (Stefano Torregrossa)

(Kapa Records - 2013)
Voto: 55

Halberd - Ruthless Game

#PER CHI AMA: Thrash Death, Exodus, Kreator
Esistevano, fino a qualche anno fa, le cosiddette “scuole” del metal: quella tedesca, molto classicheggiante, impassibile nel suo immobilismo e poco avvezza ad innovazioni di qualsivoglia tipologia; quella americana, che conosciamo tutti come la più varia; quella scandinava, votata ad un estremismo più accentuato e, per amor di patria, quella italiana che vedeva draghi ed elfi combattere sulle varie copertine dei più disparati gruppi che narravano interminabili saghe Tolkeniane (trend durato una decina d'anni). Per carità, l'Italia del metal è soprattutto altro, ma commercialmente ed internazionalmente quella è stata la corrente più nota. Nel corso degli ultimi tempi un vero e proprio tsunami è arrivato dalla Russia, portando una vagonata di gruppi con sé, dei più disparati generi e devo ammettere, che l'asticella della qualità è piuttosto spostata verso il basso. Vi confesso che mi sono avvicinato a questo lavoro degli Halberd con una certa diffidenza; diffidenza nata da approcci non proprio piacevoli con alcuni lavori giunti dall'ex Unione Sovietica. Risultato: prontamente smentito (dannati pregiudizi...). Ad un primo impatto sembra di trovarsi di fronte ad una band tedesca: strutture quadrate, chitarroni potenti e instancabili in quei riffoni “pieni” di plettrate alternate. Un sound pregevole, l'onda d'urto che scatena rischia di fare del male alle mie casse Wharfedale, che nonostante tutto mi invitano a far salire, di qualche tacca ancora, il volume. Musica da headbanging puro, senza compromessi e di una corposità notevolissima; vi assicuro che gruppi ben più blasonati degli Halberd non sono riusciti nello stesso intento di questi ragazzi, cioè quello di produrre musica per cuori di puro metallo e per thrashettoni della prima ora. Chi ama o ha amato gruppi tipo Kreator, Exodus, Death Angel, Testament o più recentemente Municipal Waste e Toxic Holocaust troverà pane per i propri denti: potenza, velocità, riffing killer, doppia cassa a volontà e tanta qualità. Il mix di elementi qui proposti sfiora la perfezione, sinceramente non ricordo un EP di questa qualità, nel corso dell'ultimo decennio; non mi sento di consigliare una traccia in particolare perchè sarei in difficoltà, sono “solo” 5 pezzi e meritano di essere ascoltati tutti d'un fiato, 20 minuti di pura goduria metallosa. Personalmente, si aggiudica la palma di migliore del lotto “Army of Reproachers” anche se la successiva title track non lascia scampo, con il suo devasto sonoro. Ve lo anticipo: non sarà una proposta che verrà ricordata per le innovazioni musicali proposte; qua di innovazioni, non ce ne sono proprio. C'è una cosa che, a mio avviso è più importante: c'è l'onesta. C'è l'onestà di proporre qualcosa che piaccia, prima di tutto, a chi suona; poi, benvenga, anche all'ascoltatore. Gli Halberd mi danno l'idea di essere il classico gruppo con “poche idee ma tutte estremamente chiare”; gli Halberd non sono nati per fare sperimentazioni, e non hanno neanche l'arroganza di proporle ad ogni costo. Fanno la loro onesta musica e la fanno bene, molto bene; avete presente quel giubbino di jeans smanicato pieno di toppe che avete nell'armadio? Passato di moda, ok, ma per voi sempre bellissimo...ecco, gli Halberd sono un po' come quel giubbino: forse non più di tendenza, ma oggettivamente di ottima fattura. (Claudio Catena)

(Metal Scrap Records - 2013)
Voto: 90

Nibiru - Netrayoni

#PER CHI AMA: Sludge/Drone/Space rock
Indossate anche voi la kesa e preparatevi ad entrare nello spirituale mondo degli sciamani Nibiru. La cover cd di 'Netrayoni' rappresenta infatti una fotografia di uno dei luoghi più mistici al mondo, il sito archeologico di Angkor in Cambogia, centro politico-religioso dell'impero Kmer, da cui il trio piemontese deve essere stato profondamente affascinato. Imponente doppio cd per i nostri, un album in cui le tracce sono state improvvisate e registrate all'Aadya's Temple Studios di Torino. Il primo cd, 'First Ritual: The Kaula's Circle' si apre con le perturbazioni sonore di "Kshanika Mukta", monolitica song di oltre 17 minuti, che nel suo incedere stantio, ci nutre di riverberi drone, lamenti ritualisti enochiani e inquietanti frammenti di dialoghi cinematografici che producono un profondo senso di malessere. Dimenticavo una premessa d'obbligo per tutti coloro che si avvicineranno a questa intrigante opera: la sua scarsa accessibilità metterà a dura prova i vostri neuroni. Si parlava di improvvisazione, ma a differenza del jazz che molto spesso scorre dinamico nella sua delirante esposizione, qui il suono si contorce su se stesso, con un riffing lento e malato, epigono per certi versi, della proposta dei ben più famosi colleghi Ufomammut. La seconda "Apsara" ha un piglio differente dall'opening track; si tratta di una song più strutturata, dotata di una maggiore 'dinamicità', sebbene si confermi un rifferama che si dipana tra un liquido drone e le fughe allucinogene della psichedelia, mostrando una spiritualità stoner. Il risultato è sicuramente ossessivo e se anche voi dopo la prima mezz'ora proverete un forte senso d'asfissia, vi confermo si tratti dell'effetto a cui la band stava puntando. Faccio una prima pausa per desaturare la mia mente. Quando riattacco, mi accorgo che la noisy "Sekhet Aahru" dura solo cinque minuti, giusto un intermezzo in cui mi sembra faccia la sua comparsa il suono di un didgeridoo. "Qaa-om Sapah" necessita di oltre tre minuti di litaniche vocals per carburare, ma quando parte, si rivelerà come il pezzo che più si avvicina ad una vera e propria song: un turbinio di chitarre, un basso dirompente e percussioni avvolte da un'aura mefitica, un brano in cui si fa più forte una vibrante componente doom/sludge, oltre che psych rock e ambient. Il primo cd si chiude con l'acustica "Arkashani". Seconda pausa, giusto il tempo per infilare 'Second Ritual: Tears of Kaly' e far partire "Kwaw-loon", altra maratona di 16 minuti abbondanti, in cui il trio malefico, formato da Ardath, Siatris e Ri, assume sembianze più umane, senza tuttavia perdere il distintivo alone mantrico che li contraddistingue. Il cantato è sofferente ma in questo contesto è perfetto; un muro di riff lisergici e loop surreali suonati a rallentatore si insinuano nella mia fragile mente, alterando le mie funzioni sensoriali. Ormai alienato dalla realtà, "Sekhmet" (song che si rifà ad un mito egizio) con le sue atmosfere space rock, mi restituisce un senso di tranquillità e pace ridando finalmente armonia al mio corpo e ai miei sensi, quell'equilibrio che era andato perduto nella prima parte della release e comunque lontano dalla schizofrenia di tutti i giorni. La terza "Celeste: Samsara is Broken" è un pezzo rimasterizzato derivante dalle session del precedente 'Caosgon', da cui è stato estrapolato anche un video. Una massiccia song drone/sludge/space che mi riporta alle cerimonie induiste a cui mi è capitato di partecipare in uno dei templi indù in India. "Viparita Karani" oscilla ancora tra richiami seventies e il doom, con una bella effettistica space rock. A chiudere 'Netrayoni', album di 95 minuti carico di aspettative, ci pensa "Sothis" con le eteree tastiere accompagnate dai vocalizzi da oltretomba. Monumentali (Francesco Scarci)

(Self - 2014)
Voto: 80

giovedì 13 marzo 2014

Def/Light - Transcendevil

#PER CHI AMA: Black Symph./Death, Cradle of Filth, Behemoth, Dimmu Borgir 
Scrivere recensioni ogni tanto è più difficile del previsto, per una certa fatica nel reperire le informazioni delle band. Il cd di quest'oggi mi arriva direttamente dalla etichetta discografica dei nostri, ma zero informazioni incluse e il web non brulica certo di notizie che agevolino la mia vita. L'intro che apre 'Transcendevil' mi è di aiuto almeno per individuare il genere proposto, richiamandomi i bei tempi andati, quegli anni '90 in cui il black sinfonico capitanato da Cradle of Filth, Emperor e Dimmu Borgir, andava per la maggiore. I ragazzi dei Def/Light, band ucraina alla sua seconda fatica, devono essere stati dei grandi estimatori dell'epoca (come il sottoscritto del resto) tuttavia arrivano con un po' di ritardo con la propria proposta. Un black metal dalle tinte vampiresche che fin da "Neo-dont-s" richiama Dani Filth e soci. Che palle penserete voi. Anch'io devo ammettere l'ho pensato, per quanto sia un fan della prima ora di tutte le band che ho citato sopra. La voce da vampiro non manca al buon Pavel Chinenkov e nemmeno quell'aura mefistofelica che da sempre ammanta la proposta della band di Suffolk. E cosi, per semplificarvi la vita nel comprendere al meglio i Def/Light, potreste pensare ad una versione più death metal oriented dei Cradle/Dimmu, che alterna sfuriatone black tempestate da organi e tastiere con ritmiche serrate in pieno stile death (e Behemoth) condito da qualche buon assolo. Le vocals seguono un po' questo andamento, passando dallo screaming al growling, ma il singer (come Dani del resto) alla fine, canta un po' troppo per i miei gusti, stancandomi dopo qualche manciata di pezzi. Le parti più orchestrate ("Homo Novus" e "Dark Liturgy" ne sono la dimostrazione più lampante) che fungono da bridge tra le parti veloci e quelle più atmosferiche, sono state prese in prestito direttamente da "Progenies of the Great Apocalypse" dei Dimmu Borgir. Tante ombre e poche luci alla fine su questo 'Transcendevil' che giunge con più di 10 anni di ritardo rispetto agli originali. Ecco l'originalità, ciò che realmente manca ai sei guerrieri ucraini, sebbene le keys (ottima a tal proposito la bonus "Septem Millio") e le chitarre non siano affatto deprecabili, mentre pollice verso per il drumming, per quanto veloce sia, alla fine il suono della batteria risulta troppo plastificato. Insomma, niente di nuovo sotto il sole, ma musica per soli nostalgici del black sinfonico. (Francesco Scarci)

(Metal Scrap Records - 2013) 
Voto: 60 

martedì 11 marzo 2014

Murmurists – I Cannot Tell You Where I Am Until I Love You

#PER CHI AMA: Experimental, Avantgarde, Brian Eno, Tim Hecker, Jim O' Rourke
Geniale o folle? Questo lavoro di Anthony Donovan, sperimentatore, compositore, musicista e scrittore con base in Inghilterra, sicuramente desterà sospetto e meraviglia. L'album sotto l'insegna Murmurists esce per l'Alrealon musique ed esplora psicologiche vie concettuali sul tema dell'amore, recitate e parlate, canticchiate e sussurrate da una schiera di interpreti e improvvisatori ignari del risultato finale del disco. Un disco magico, difficile, atipico, amaro, inusuale. Un disco che deve essere considerato come il surreale gioiellino di Brian Eno, Music for Airports, mescolato a umori siderali stile Ulver, quelli della colonna sonora 'Svidd Negger' per intenderci e folate industrial dal tocco soave, intellettuale, con rispetto e ammirazione verso il miglior Tim Hecker. Per intenderci uno shoegaze da salotto colto pieno di narrazioni, storie, voci narranti, particolari di vite vissute, attimi di riflessione. Anthony Donovan, già collaboratore di una lunga scia di musicisti, tra cui anche il mitico John Zorn, mostra tutta la sua potenza in un concept di quarantacinque minuti raggruppato in un unico infinito brano che si snoda in variegati, psichici paesaggi sonori giocati ai confini dell'elettronica più intima, alternativa e ricercata. Qui, l'ambient è di casa, non porta mai una chiave marcatamente ossessiva od oscura ma al contrario mostra con forza la sua anima più profonda e pensante. Un approccio alla musica lontanissimo dai modelli attuali, con uno spirito di ribellione fortissimo ma decisamente controllato, pudico e raffinato, una specie di Throbbing Gristle, invecchiati, maturati, silenziosi e saggi, rilassati e introspettivi che condividono un buon libro su di un tavolo, nel silenzio di una biblioteca con il Jim O' Rourke di 'Pedal and Pedal'. Assurdo, intelligente e intrigante. Esperienza da vivere! (Bob Stoner)

(Alrealon Musique - 2013)
Voto: 70

Sandveiss – Scream Queen

#PER CHI AMA: Hard Rock, Black Label Society, Stoner, Ozzy
Chi si ricorda dei Pride and Glory, il progetto solista di Zakk Wilde prima dei Black Label Society? Ebbene, in più di un punto questo esordio dei canadesi Sandveiss mi ha ricordato proprio quel (bellissimo) disco, con il suo hard ciccione e ultracompresso, magari con qualche strizzatina d’occhio verso il vecchio continente laddove quell’altro era caratterizzato da un’impronta fortemente sudista. Quindi quello che abbiamo tra le mani è un vero e proprio disco hard rock, moderno e potente, appena al confine con lo stoner o un certo grunge (Soundgarden e Alice in Chains), sullo stile, per esempio, dei Sasquatch, suonato con stile e perizia, prodotto benissimo e forte della carismatica presenza di un cantante davvero bravo, a metà strada fra il già citato Zakk Wilde e Chris Cornell. “Blindsided” apre l’album come meglio non si potrebbe: un mid-tempo dal riff assassino con tutto, ma proprio tutto, al posto giusto. Segue il trascinante stomp pestone di “Do You Really Know”, e si procede senza segni di cedimenti per tutta la durata dell’album. Non c’è traccia di ballate o ammorbidimento alcuno, anzi, un pezzo come “Scar” potrebbe aver fatto bella mostra di sé in un album di Ozzy degli anni '90, con quel super riff che a me ha ricordato addirittura gli In Flames. C’è spazio anche per un’incursione nello stoner più influenzato dal doom con “Bottomless Lies”, che potrebbe uscire da un disco dei Red Fang e che risulta uno dei vertici del disco. Tutto sembra perfino troppo perfetto per essere vero: un gran cantante, una ritmica implacabile e dinamica e una chitarra affilata ma mai sopra le righe, sempre puntuale e piuttosto classica nei riferimenti. Otto pezzi perfettamente congegnati, suonati divinamente e registrati benissimo, in modo da suonare classici ma mai nostalgici o passatisti. Ottimo esordio in un ambito nel quale risulta sempre più difficile avere qualcosa da dire. (Mauro Catena)

(Self - 2013)
Voto: 80

OJM - Volcano

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Garage Rock
Gli OJM sono una piacevole realtà italiana che calca la scena dal lontano 1997, nascendo prima come band stoner rock, e poi trovando nel garage mescolato al rock anni settanta la loro vera fonte di ispirazione. Molti concerti in Italia/Europa ed importanti collaborazioni sono sinonimo di musicisti che ci sanno fare e soprattutto che ci credono. Con questo 'Volcano' gli OJM confermano il loro sound e con l'introduzione di un nuovo elemento del gruppo dedito al piano/organo, fanno capire che passano dei pensieri malsani per la mente. Infatti "Ocean Hearts" approfitta della new entry per creare un'atmosfera psichedelica fatta di chitarre e sezione ritmica che scalcia e si dimena. Un pezzo che ti lascia di stucco per la cura nei minimi dettagli e ti porta indietro di 30-40 anni con un viaggio lisergico in pure stile '70s. Verso la fine le tastiere si lanciano in un bellissimo duetto danzante con la chitarra del buon Andrew e l'opera d'arte è fatta e servita, tanto che vi ritroverete madidi di puro rock senza rendervene conto. Poi si passa ad "Escort" e gli OJM acquistano potenza, riff granitici che risentono dei trascorsi stoner e una voce carica di riverbero a ricreare atmosfere psichedeliche a noi molto care. Assoli pregni di wah che urlano e si contorcono come in una danza di accoppiamento primordiale, una batteria forsennata e un basso distorto completano questa gemma musicale da sfoderare quando tutto sembra perduto e nulla può salvarci dalla musica arida e insignificante. "Disorder" riprende i suoni e la frenesia del garage rock con una gran cavalcata tanto veloce quando breve (poco più di due minuti). Forse troppo poco per lasciare qualcosa a chi l'ascolta. Passate a "Rainbow", molto meglio anche in termini di arrangiamenti e mood. A questo punto possiamo dire che i nostri amici veneti sono tutto fuorchè statici e il loro percorso artistico lo dimostra. Se provate a mettere sul giradischi la riedizione in vinile di 'Heavy' del 2002, vi sembrerà quasi impossibile che sia lo stesso gruppo. Questo vuol dire avere le palle e lavorare duro alla ricerca della propria identità, mettendosi in gioco e rischiando tanto. (Michele Montanari)

(GoDown Records - 2010)
Voto: 85

domenica 9 marzo 2014

Varego - Blindness of the Sun

#PER CHI AMA: Stoner/Post Metal 
Ammetto di essere stato ammaliato dalla cover di questo cd, pregna di una certa simbologia esoterica, ancor prima della musica proposta dal five-pieces ligure. Chiaro che quando 'Blindness of the Sun' inizia poi a girare nel lettore, uno strabuzzi gli occhi, tenga le orecchie ben aperte e si concentri su un sound abbastanza inedito. Dopo una pseudo intro, integrata nei primi secondi di "Hesperian", si palesa l'offerta enigmatica del combo italico, egregiamente coadiuvato alla consolle da Billy Anderson (Sleep, Eyehategod, Mr. Bungle, solo per citarne alcuni). La song è spettrale sin dalla sua iniziale componentistica noise, che spiana la strada ad una ritmica articolata che shakera in egual dosi, stoner, sludge e post metal, con i vocalist che propongono un vasto repertorio vocale, passando dal clean allo scream con larga disinvoltura. Quello che più mi spiazza in questo pezzo sono delle sventagliate brutali a livello di riffing, che provocano un forte trasalimento emotivo. Con "Secrets Untold" è il fantasma dei Voivod a materializzarsi nelle melodiche linee bizzarre di chitarra, con il sound che tende ad aumentare la propria devianza cerebrale. L'accordatura è ribassata, il basso è pulsante, veemente, e le vocals schizoidi. Le fughe dalle parti dello stoner, della psichedelia o dello space rock settantiano, raggiungono elevati livelli di misticismo. Mentre leggo i testi, non posso che apprezzare la brillante scelta estetica anche nel dover combinare, come i tasselli di un puzzle, le liriche a costruire un altro disegno, dietro il quale si nasconderanno altri simboli esoterici. Nel frattempo è già partita la strumentale "The Flight of the I", song decisamente fuori dagli schemi, per non dire folle, dominata dalla tromba incandescente di Mr. JJ Sansone (Casinò Royale e La Crus) e da atmosfere che ambiscono decisamente alla catarsi. Il suono magmatico del quintetto sfocia in "Of Drowning Stars" in cui fa la sua comparsa addirittura Jarboe. L'ex vocalist degli Swans regala la sua preziosa performance su un sound già di per sé di elevata qualità, ma che di sicuro non mostra un'altrettanta accessibilità. Si perché, se una pecca la si deve trovare ai Varego (nome che deriva da una pianta terapeutica) è proprio quella relativa ad una certa difficoltà ad avvicinarsi al loro sound. Ma voi non abbiate timore e fate vostro 'Blindness of the Sun', non fosse altro che solo l'edizione limitata di questo cd in una confezione simile ad un 7", meriti l'acquisto. Splendida scoperta per una band destinata a sfondare. (Francesco Scarci)

I must admit the cover of this CD, full of a kind of esoteric symbolism, caught my attention even earlier than the music by the five-piece from Liguria. As soon as 'Blindness of the Sun' starts, I open my eyes wide, and keep my ears open, focusing on a quite unusual sound. After a sort of intro, "Hesperian" discloses the enigmatic proposal of the Italian act, very well supported at the console by Billy Anderson (Sleep, Eyehategod and Mr. Bungle). The song with its initial ghostly noise paves the way to a rhythm that blends, in equal doses, stoner, sludge and post-metal, with the vocalists that offer a wide vocal repertoire, from cleaning to screaming. What mainly struck me in this song are its brutal riffings, which cause a strong emotional startle. With "Untold Secrets" the ghost of Voivod materializes in bizarre and melodic guitar lines, with a sound that aims to increase a certain cerebral deviance. The tuning is lowered, as well as the vehement line of the bass; the vocals are schizoid. Breaks of stoner, psychedelic or 70s space rock achieve high levels of mysticism. Regarding the lyrics, I must appreciate the brilliant aesthetic choice of combining, like pieces of a puzzle, the lyrics papers building a drawing which hides other esoteric symbols. Meanwhile, the instrumental "The Flight of the I" is definitely outside-the-box and avant-garde, bordering on crazy**, dominated by the incandescent trumpt of Mr. JJ Sansone (Casino Royale and La Crus) cathartic atmospheres. The sound of the eruptive quintet flows into "Stars of Drowning" where Jarboe appears. The former vocalist of Swans offers her excellent performance on a sound already of high quality, but that certainly does not show an easy accessibility. If I had to find a flaw for Varego (name derived from a therapeutic plant) is a certain difficulty to get closer to their sound. But don't be afraid and grab 'Blindness of the Sun', also because its amazing limited edition, similar to a 7", is worth your purchase. A wonderful discovery of a band destined to a break through. (Francesco Scarci)

(Argonauta Records - 2013)
Voto/Score: 75

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